Desde su vocación de ser un teatro con repertorio, La Abadía presenta de nuevo, uno de sus espectáculos de referencia, Entremeses.
Las tramas de estas tres historias, el lenguaje cervantino y la forma escénica que les ha otorgado el montaje conectan de una manera inmediata e intensa con aquel que las vea, o vuelva a verlas.
Bajo un árbol solitario se reúnen los jóvenes de un villorrio y escenifican para sí y para sus convecinos tres piezas maestras: La cueva de Salamanca, El viejo celoso y El retablo de las maravillas. Cervantes lanza una mirad aparentemente compasiva pero implacable sobre las grandes mentiras de su tiempo: la religiosidad y la beatería, el honor de las mujeres y la lujuriosa ansia de vivir, la pretendida limpieza de sangre de los cristianos viejos en un país profundamente amestizado.
Lucidez, compasión y humor se funden con la palabra de Cervantes en una síntesis irrepetible.
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La Abadía es un centro de estudios y creación escénica, en la línea de los teatros de arte europeos, con un equipo estable, dirigido por José Luis Gómez. Aúna la investigación y el entrenamiento permanentes con la creación de espectáculos. La actividad públicamente más visible del Teatro de La Abadía es la de producir montajes y acoger los trabajos de compañías afines. Talleres y encuentros con importantes maestros de la interpretación rodean esta actividad.
La expresividad corporal, la extremada precisión verbal y el deseo de relacionarse con lo que sucede en la sociedad a través de la poesía de la escena marcan el sello de esta casa, que lleva por consigna “El placer inteligente”.
El Teatro de La Abadía es fruto de una iniciativa compartida por el gobierno de la Comunidad Autónoma de Madrid y José Luis Gómez, director de escena y actor de muchas tablas. Se inauguró el 14 de febrero de 1995 con el estreno de Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte de Ramón María del Valle-Inclán.
Sede
Exterior Sala Juan de la Cruz
Enclavada en Chamberí, uno de los barrios más típicos de Madrid, concretamente en la calle de Fernández de los Ríos nº 44, ocupa la antigua capilla de un internado, construida en la década de los 40 según los planos originales del arquitecto José María de la Vega Samper. Posee una planta de peculiar configuración, con dos naves convergentes e independientes. En su día, servían para separar los niños de las niñas. Además de este espacio, el Teatro de La Abadía cuenta con el antiguo salón de actos anejo, que constituye una segunda sala polivalente, para exhibición y ensayos, y alberga los despachos de dirección y gestión.
Tras una cuidada reforma, proyectada y dirigida por Juan Ramón Espiga, del estudio Espiga Moneo Ayala Arquitectos, estos dos espacios han sido bautizados con los nombres de Sala Juan de la Cruz –por el poeta visionario– y Sala José Luis Alonso –en homenaje al importante director de escena español–. Poseen un aforo aproximado de 309 y 195 localidades respectivamente.
Trayectoria
Desde aquel primer estreno en 1995, se han presentado en el Teatro de La Abadía cerca de 30 espectáculos de producción propia. Se alternan autores contemporáneos con clásicos: Berkoff, Brecht, Cervantes, Goethe, Ionesco, Jarry, García Lorca, los Hermanos Presnyakov, Eric-Emmanuel Schmitt, Shakespeare, Valle-Inclán, Kushner, Pinter, junto a dramaturgos españoles vivos como Antonio Álamo, Fermín Cabal, Ernesto Caballero, Agustín García Calvo, Isabel Carmona y Juan Mayorga. En algunas ocasiones, se han realizado dramaturgias sobre textos no teatrales, como el político y escritor Manuel Azaña y los poetas Luis Cernuda y Garcilaso de la Vega.
Muchas de estas puestas en escena corrían a cargo del mismo José Luis Gómez, otras por directores vinculados a La Abadía como Carlos Aladro, Ernesto Caballero, Joaquín Hinojosa y Rosario Ruiz Rodgers, o directores invitados, entre los que se puede destacar a figuras como Georges Lavaudant, Luis Miguel Cintra, Hansgünther Heyme, Àlex Rigola o Andrés Lima.
La mayoría de estas producciones han hecho gira en el ámbito nacional e internacional, de manera que el Teatro de La Abadía se ha convertido en un centro de referencia cultural de Madrid y de las redes de exhibición españolas y europeas.
La Abadía siempre ha aspirado a ser un teatro expresamente europeo, trayendo a maestros y directores invitados, y colaborando todos los años con el Festival de Otoño. Además de las personas ya mencionadas, se podría destacar a las siguientes figuras y compañías que han pasado por el teatro: Peter Brook, Berliner Ensemble, Calixto Bieito, Dario Fo, Dan Jemmett, Oskaras Korsunovas, Jacques Lecoq, Josef Nadj, Odin Teatret, Lluís Pasqual, Schaubühne am Lehninerplatz, Hanna Schygulla, Théâtre des Bouffes du Nord, Théâtre Vidy-Lausanne...
Gestión
La fórmula de gestión es una fundación cultural privada. Recibe financiación pública, a la que hay que sumar los ingresos propios, y la gestión está depositada en manos privadas.
En el patronato están representados los tres niveles de la administración española: la autonómica, el patrono principal, a través de la Consejería de Cultura de la Comunidad de Madrid; la administración central, a través del INAEM del Ministerio de Cultura; y la administración local representada por la Concejalía de las Artes del Ayuntamiento de Madrid.
Este modelo garantiza la independencia artística y la continuidad, imprescindibles para poder desarrollar una línea de trabajo coherente.
La Fundación Teatro de La Abadía se encarga desde el año 2005 de la programación y la gestión del Corral de Comedias de Alcalá.
Unión de los Teatros de Europa
Desde 1998, el Teatro de La Abadía forma parte de la Unión de los Teatros de Europa (UTE), creada en 1990 por iniciativa de Giorgio Strehler. Une a 21 centros escénicos emblemáticos, como el Piccolo Teatro di Milano, el Dramaten, el Teatre Lliure, la Royal Shakespeare Company y los teatros con los que La Abadía ha realizado intercambios como el São João, el Katona y el Bulandra.
Comparten múltiples objetivos y un fin esencial: desarrollar una acción cultural común más allá de las fronteras respectivas de cada país, a través de un teatro de arte, entendido como instrumento de poesía y de fraternidad entre los pueblos.
A finales de 2008 se presentó 'Argelino, servidor de dos amos' y 'La paz perpetua' en el XVII Festival U.T.E celebrado en Rumanía.
Premios
Premio Nacional de Teatro del Ministerio de Cultura (1995).
Premio de la Crítica de Madrid (1995).
Distinción a la Excelencia Europea de la Comunidad de Madrid (2002).
Premio del XXXVIII Festival Internacional de Teatro, Música y Danza de San Javier, en reconocimiento a la trayectoria del Teatro de La Abadía (2007).
Diane Schuur es una cantante y pianista estadounidense de jazz.
Biografía
Ciega de nacimiento por complicaciones en el hospital, Diane Schuur creció en Auburn, Washington, donde su padre trabajaba como policía. Apodada Deedles desde niña, Shurr descubrió el mundo del jazz a través de su progenitor, que tocaba el piano, y su madre, que poseía una formidable colección de discos de Duke Ellington y Dinah Washington. Gracias a su oído priviegiado (Schuur posee oído perfecto), comenzó a tocar el piano de forma autodidacta hasta que con tan sólo 10 años dio su primer concierto, en un hotel de Tacoma. Shuur ingresa entonces en el Washington State School for the Blind, una institución para ciegos donde permanece hasta los 11 años. Poco después ya disponía de una buena colección de vinilos de Dinah Washington, su más importante inspiración.
En 1971 graba su primer single, un tema country titulado "Dear Mommy and Daddy", y tras su paso por la High School se centra en el mundo del jazz y efectúa algunas giras por el noroeste del país. En 1975 aparece con el grupo del baterista Ed Shaughnessy en el Monterey Jazz Festival, y Stan Getz -presente entre el público- la invita a participar en un concierto en la Casa Blanca. En 1984, tras firmar con el sello GRP Records edita su primer álbum titulado Deedles.
Durante los 13 años siguientes, Schuur graba 11 álbumes para GRP, incluyendo Timeless (1986) y Diane Schuur and the Count Basie Orchestra (1987), ambos premiados con un Grammy. En 2000, tras haber editado un único álbum para Atlantic un año antes, firma con Concord Records, que edita su Friends For Schuur. A partir de entonces, inicia una serie de proyectos en colaboración: Swingin’ For Schuur (2001) con el trompetista Maynard Ferguson, Midnight (2003) con Barry Manilow y Fire (2005) con The Caribbean Jazz Project. En Some Other Time (2008) Shuur interpreta temas clásicos de George e Ira Gershwin, Irving Berlin y otros compositores de standards.1
Estilo y valoración
A menudo en la periferia del jazz, la crítica ha dicho de Diane Schuur que tiene el potencial para llegar a estar entre las más importantes cantantes de jazz aunque su repertorio incluya una buena dosis de temas pop. Su tendencia natural a abusar del registro agudo ha ido moderándose con el tiempo, y hoy se la considera una cantante muy capaz, aunque sus discos tiendan a ejercer un impacto relativo sobre las audiencias de jazz.2 El talento natural de Diane Schuur ha conseguido en Europa un reconocimiento mayor que el que ha cosechado en su propio país, donde parece incapaz de codearse con los grandes nombres del jazz.3
Discografía
AñoTítuloGéneroSello
2008Some Other TimeJazzConcord
2006Diane Schuur: Live in LondonJazzGR2 Classics
2005Schuur FireJazzConcord
2003MidnightJazz, PopConcord
2001Swingin' for Schuur con Maynard FergusonJazzConcord
2000Friends for SchuurJazzConcord
1999Music Is My LifeJazzAtlantic / Wea
1997The Best of Diane SchuurJazzGRP
1997Blues for SchuurBlues, JazzGRP
1994Heart to Heart con B. B. KingJazzGRP
1993Love SongsJazzGRP
1992In TributeJazzGRP
1991Pure SchuurJazzGRP
1989Diane Schuur CollectionJazzGRP
1988A GRP Christmas CollectionGospelGRP
1988Talkin' 'bout YouJazzGRP
1987Diane Schuur & the Count Basie OrchestraJazzGRP
1986TimelessJazzGRP
1985Schuur ThingJazzGRP
1984DeedlesJazzDigital Master
Nominaciones y premios Grammy
AñoCategoríaTítuloGéneroSelloResultado
1993Traditional Pop PerformanceLove SongsPopGRPNominada
1991Traditional Pop PerformancePure SchuurPopGRPNominada
1989Best Jazz Vocal Performance - FemaleThe Christmas SongJazzGRPNominada
1987Best Jazz Vocal Performance - FemaleDiane Schuur and the Count Basie OrchestraJazzGRPVencedora
1986Best Jazz Vocal Performance - FemaleTimelessJazzGRPVencedora
Cécile McLorin Salvant nació y se crió en Miami el 28 de agosto de 1989 (26 años) , en Florida de madre francesa y padre haitiano. Comenzó los estudios de piano clásico a los 5, y comenzó a cantar en la Sociedad Coral de Miami a los 8. Al principio, ella desarrolló un interés en la canto clásico, comenzó a estudiar con instructores privados, y más tarde con Edward Walker, profesor vocal en la Universidad de Miami.
En 2007, Cécile se trasladó a Aix-en-Provence, Francia, para estudiar derecho, así como la canto clásico y barroco en el Conservatorio Milhaud Darío. Fue en Aix-en-Provence, con reedist y profesor Jean-François Bonnel, que ella comenzó a aprender acerca de la improvisación, repertorio instrumental y vocal que van desde la década de 1910 en, y cantó con su primera banda. En 2009, después de una serie de conciertos en París, grabó su primer disco "Cécile", con Jean-François Bonnel París Quintet. Un año más tarde, ganó el concurso Thelonious Monk en Washington DC
Cécile realiza interpretaciones únicas de composiciones de jazz y blues desconocidos y apenas registradas. Ella se centra en una representación teatral del estándar de jazz y compone música y letra que también canta en, su lengua materna francesa, así como en español. Ella goza de popularidad en Europa y en los Estados Unidos, actuando en clubes, salas de conciertos y festivales acompañado por músicos de renombre como Jean-François Bonnel, Rodney Whitaker, Aaron Diehl, Dan Nimmer, Sadao Watanabe, Jacky Terrasson (ella era la cantante invitada en su último disco, gouache), Archie Shepp, y Jonathan Batista. Ella es la voz de "Chance" campaña publicitaria de Chanel, por tercer año consecutivo. En agosto de 2012, Cécile registró WomanChild para la abel Mack Avenida L con Aaron Diehl, Rodney Whitaker, Herlin Riley y James Chirillo.
Cécile ha actuado en numerosos festivales como el Jazz à Vienne, Ascona, Whitley Bay, Montauban, Foix, con Wynton Marsalis y la Orquesta de Jazz at Lincoln Center, en el Lincoln Center de Nueva York y Symphony Center de Chicago y con su propia banda en el Kennedy Center, el Festival de Spoleto de Jazz, Festival de Jazz de Detroit y otros lugares.
"WomanChild" de Cécile fue nominado en 2014 para el Grammy al Mejor Album Vocal de Jazz.
* Cécile realiza interpretaciones únicas de composiciones de jazz y blues desconocidos y apenas registradas. Ella se centra en un teatro, ya veces irónico, interpretación de la norma jazz y apenas comienza a componer sus propias piezas instrumentales y canciones. Ella también está comenzando a cantar en, su lengua materna francesa, así como en español. Ella goza de creciente popularidad en Europa y en los Estados Unidos, actuando en clubes, salas de conciertos, spiegeltents y festivales acompañados por músicos de renombre como Jean-François Bonnel, Rodney Whitaker, Aaron Diehl, Dan Nimmer, Jonathan Batiste, Jacky Terrasson ... Ella canta para el segundo año consecutivo de «probabilidad» la campaña publicitaria de Chanel. Ben Ratliff, del New York Times: "... Era divertida y extrema e idiosincrásica, y nunca cursi-coqueta o hip amanerado ... Mientras ella cantaba menos opciones -than obvias set ... ella estampan las líneas con autoridad y poder y un poco de extravagancia, como si fueran verdades, no asignaciones historia. Ella se concentró en las notas, cantó en el rastreo tempos más de una vez, hicieron su voz en una puerta chirriante, una niebla ..., entonces un láser.
Ella se quedó en terreno de juego y creció alarmantemente tranquila en los versos finales de la Bessie Smith, convirtiendo la canción, sobre rechazando los avances de un hombre rudo, en una historia extravagante. Puso jugadores de la banda de la casa en la facilidad, manteniendo una estrecha vigilancia sobre los solos ... Ella parecía fresco, pero también como si hubiera decidido hace mucho tiempo que ella era un artista. "La revista Paris Hot Club ha llamado un" cantante verdadera y notable jazz ... un joven prodigio del jazz ". Cécile ha actuado en numerosos festivales como el Jazz à Vienne, Ascona, Whitley Bay, Montauban, Foix, con Wynton Marsalis y la Orquesta de Jazz at Lincoln Center, en el Lincoln Center de Nueva York y Symphony Center de Chicago y con su propia banda en el Kennedy Center, el Festival de Jazz de Spoleto, Festival de Jazz de Detroit y otros lugares.
Salvant ganó cuatro categorías en las 2014 Down Beat Critics Poll:. Jazz Album del Año, Cantante Femenina, Rising Star-Jazz Artist y Rising Star-Vocalista Femenina
Su tercer álbum, For One to Love, fue lanzado el 5 de septiembre de 2015, con buenas críticas del New York Times, The Guardian, y Los Angeles Times.
For One to Love, es un álbum de estudio por el estadounidense de jazz cantante Cécile McLorin Salvant. Es el tercer álbum general de la cantante y el seguimiento a su LP debut, WomanChild (2013).
Recepción de la crítica
El álbum fue lanzado con gran éxito de crítica en publicaciones como el New York Times, The Guardian, y Los Angeles Times.
* La pianista germano-japonesa Alice Sara Ott (Múnich, 1988) y el pianista luxemburgués Francesco Tristano (Luxemburgo, 1981) rinden homenaje a dos y cuatro manos a una de las figuras más carismáticas y fundamentales de la danzada rusa, Serguéi Diaghilev, empresario y padrino de algunos de los más importantes ballets de principios de siglo pasado. En su recorrido por piezas inmortales que han bailado los más importantes solistas de danza se dan cita obras de Debussy, Ravel o Igor Stravinski, con el que el empresario ruso colaboró intensamente. La consagración de la primavera, Bolero, Tres nocturnos... melodías que todo el mundo asocia a los dibujos aéreos de tantos y tantos ballets, ahora plasmados en dos jóvenes teclados.
* En menos de cinco años, la pianista alemana-japonesa de veinticuatro años Alice Sara
Ott ha ganado críticas aclamadoras por sus interpretaciones en las salas de concierto
más importantes del mundo y se ha consolidado como uno de los talentos más
apasionantes de hoy en día.
Conciertos recientes han visto a Alice interpretar con la Orquesta Sinfónica de Frankfurt
(con Paavo Järvi) en Japón, la Orquesta Filarmónica de Oslo (Xian Zhang), Orquesta
Sinfónica Nacional Danesa (Thomas Dausgaard), Orquesta Tonkünstler Niederösterreich
(Jun Märkl) y la Orquesta Sinfónica NDR (Thomas Hengelbrock). Alice también ha tenido
gran éxito con sus recitales debut en las Series Internacionales de Piano de Londres
además de en el Festival Verbier , Teatro Mariinsky, Concertgebouw de Ámsterdam y
Centro Nacional de Arte de Ottawa. Aparece recientemente en el Festival de piano Ruhr,
Festival de Música Schleswig-Holstein y Festspiele Mecklenburg-Vorpommern e hizo su
debut en el Festival de Lucerna en otoño de 2010.
En 2012/13 Ott apareció con la Filarmónica de Munich y la Orquesta Sinfónica NHK en
Tokio, ambas bajo la batuta de Lorin Maazel. Los conciertos de Munich serán grabados
como parte del programa Arte Maestro para ser emitido en 2013. El concierto en Tokio es
seguido por una gira de recital en Japón. Otros compromisos esta temporada incluyen la
Orquesta Filarmónica Checa, (bajo Krzysztof Urbański), Orquesta Nacional de Bélgica,
Orquesta Filarmónica Real de Liverpool, Orquesta Beethoven de Bonn y la Orquesta
Sinfónica de Barcelona. En recital, ofrece debuts en Le Poisson Rouge de Nueva York y el
Centro Symphony de Chicago, y volverá a Laeiszhalle de Hamburgo, las Series
Internacionales de Piano de Londres y la Kammermusiksaal de Berlín.
Alice ha grabado en exclusiva con Deutsche Grammophon desde 2008, con su gran
exitoso debut de la grabación de los 12 Études d’exécution transcendante de Listz
rápidamente continuado con un segundo álbum de los valses completos de Chopin,
entrando en la lista clásica de iTunes como el álbum Nº 1 tanto en Alemania como en
EEUU. El álbum debut de concierto con piezas de Tchaikovsky y Liszt (con la Filarmónica
de Munich y Thomas Hengelbrock) fue nombrado como la Elección del Editor en la revista
Piano Internacional y Classic FM. Alice ha recibido además el premio al Joven Artista del
Año en los Premios Echo Klassik por su grabación de Chopin en octubre de 2010. Su último CD de las Sonatas de Piano de Beethoven fue lanzado en agosto de 2011. Enero
de 2013 verá la publicación de su grabación en directo de su interpretación en el Teatro
Mariinsky, grabado en julio de 2012 durante el Festival de las Noches Blancas de San
Petersburgo. Un segundo CD continuará en la primavera de 2013 en la cual se unirá a la
violinista Batiashvili con piezas de Clara Schumann.
* Joven músico y compositor, causa el mismo efecto en la escena moderna que en las
salas clásicas de concierto. La osadía de Francesco Tristano combina épocas y estilos. El
luxemburgués tiene una actitud abierta que se muestra en casi todo lo que hace,
rechazando los límites y convencionalismos. Tristano es conocedor de las pautas que han
seguido las diferentes generaciones de pianistas clásicos y ha elegido ignorarlas.
Tristano, nacido en 1981, descubrió el piano a los cinco años. A los 13, tocó su primer
concierto, presentando sus propias composiciones. Más tarde fue de gira como solista
con importantes orquestas como Orquesta Nacional de Rusia, Deutsches SymphonieOrchester
Berlin y Orquesta Filarmónica de Hanoi entre otras. Tristano fundó su
ensemble de cámara, The New Bach Players, el cual dirige. Este ensemble rompe con los
convencionalismos técnicos y estéticos.
Tristano estuvo en la Juilliard School de Nueva York durante cinco años. Esta ciudad le
abrió las puertas de la música de club y electrónica. En 2004, ganó el primer premio en el
Concurso Internacional de Piano de Música Contemporánea en Orleans, Francia.
Francesco Tristano ha publicado doce álbumes, entre ellos grabaciones de las
Variaciones Goldberg de Bach y los conciertos completos de piano, las obras completas
para piano de Luciano Berio y las Toccatas de Girolamo Frescobaldi. ‘Not for Piano’
(inFine, 2007), cuenta con sus propias composiciones así como versiones techno de
obras clásicas. ‘Idiosynkrasia’ (inFine, 2010), grabado en Planet E-communications de
Carl Craig en Detroit. Tristano es artista de Deutsche Grammophon y está a punto de
lanzar su tercer album con este sello. Su ‘bachCage’, producido por Moritz von Oswald,
salió al mercado con DGG en 2011. Otras colaboraciones y remezclas han sido
publicadas por Innervisions, CLR, Visionquest, PIAS e Inflyte.
*Mefistófeles (título original en italiano, Mefistofele) es una ópera en cuatro actos, con prólogo y epílogo; con música y libreto del compositor italiano Arrigo Boito (1868), con la que pretendió introducir en Italia el estilo wagneriano.
Historia
Composición
Boito empezó a considerar una ópera sobre el tema faustiano después de terminar los estudios en el Conservatorio de Milán en 1861. Mefistófeles es una de las muchas obras de música clásica que se basa en la leyenda de Fausto, y como muchos otros compositores, Boito usó la versión de Goethe como su punto de partida. Boito era un gran admirador de Richard Wagner, y como él escribió su propio libreto, algo insólito en la óper italiana de la época.
La obra anterior más popular basada en la leyenda fue la ópera de Gounod Fausto, que Boito consideraba como un tratamiento superficial y frívolo de un tema profundo. Más aún, Boito despreciaba lo que él veía como bajos estándares operísticos en la Italia de su época, y decidió hacer su propia obra que se distinguiese, tanto musical como intelectualmente, de cualquier cosa que habían oído antes. Esperaba que sería un toque de atención y una inspiración para otros jóvenes compositores italianos.
La partitura vocal para piano fue terminada en 1867 mientras Boito estaba visitando a unos parientes en Polonia.
Representaciones
Fue estrenada el 5 de marzo de 1868 en La Scala de Milán bajo la batuta del propio compositor, a pesar de su falta de experiencia y habilidad como director. Conforme la tarde fue progresando la hostilidad del público, poco familiarizado con el estilo musical de vanguardia de Boito y no impresionados por muchas de las escenas (principalmente la escena en la corte del emperador), se incrementó constantemente. Más aún la obra era demasiado larga y el elenco inadecuado para las complejidades de la música. Cuando finalmente cayó el telón después de media noche quedó claro que el estreno había sido un fracaso. Después de sólo dos interpretaciones (la segunda fue dividida en dos noches), la ópera fue retirada.
Boito inmediatamente se puso a trabajar revisando la ópera, reduciendo grandemente su longitud y haciendo muchas escenas en menor escala. Por ejemplo, quitó todo el Acto IV original y reescribió el Acto V como un epílogo, añadiendo el dúo Lontano, lontano en el proceso. Fausto fue cambiado de barítono a tenor. La versión revisada se estrenó en el Teatro Comunal de Bolonia el 4 de octubre de 1875, esta vez cantada por un reparto que se considera más apropiado, y fue un éxito inmediato.
Este cambio en recepción se cree que en parte se debió a las revisiones de Boito haciendo la ópera más tradicional en estilo, y también al público italiano, que estaba más familiarizado con, y más deseoso de aceptar, desarrollos en la ópera relacionada con Wagner. Boito hizo algunos cambios menores en 1876. Esta versión se estrenó en el Teatro Rossini de Venecia el 13 de mayo de 1876. Junto al Faust de Charles Gounod es quizás una de las obras basadas en la pieza de Goethe, más famosas.
La primera representación británica tuvo lugar en Her Majesty's Theatre, Londres el 6 de julio de 1880 y el estreno estadounidense fue el 16 de noviembre de 1880 en Boston.3 4 Más tarde Boito continuó haciendo pequeños cambios hasta la versión definitiva, estrenada el 25 de mayo de 1881 en La Scala de Milán.
A principios del siglo XX, las reposiciones de la ópera se relacionaron particularmente con el famoso bajo ruso Fiódor Chaliapin: cantó el rol titular con ocasión de su primera aparición fuera de Rusia (La Scala, Milán, 16 de marzo de 1901) y también en su estreno norteamericano (Metropolitan Opera, Nueva York, 20 de noviembre de 1907).4 Chaliapin hizo su primera aparición en la Royal Opera House, Covent Garden el 25 de mayo de 1926. Parte de una representación posterior el 31 de mayo fueron grabados por His Master's Voice.5
La Metropolitan Opera ha representado la obra un total de 67 veces desde que apareció allí por vez primera el 5 de diciembre de 1883, más recientemente en febrero de 2000.6 La Royal Opera en Londres sólo ha dado una representación de la ópera, una versión de concierto en marzo de 1998 en el Barbican Centre, con Samuel Ramey como el personaje titular.7 Como Mefistófeles, el bajo estadounidense hizo de este un rol destacado, apareciendo en muchas producciones en los ochenta y principios de los noventa, incluyendo una por la Ópera de San Francisco en noviembre de 19948
Esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 183 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 56.ª en Italia y la primera de Boito, con 16 representaciones en el período.
Lugar de estreno
La Scala Milán
Fecha de estreno
5 de marzo de 1868
Personajes
Mefistófeles (bajo)
Fausto (tenor lírico-spinto)
Margarita (soprano lírico-spinto)
Martha (contralto)
Wagner (tenor ligero)
Helena de Troya (soprano dramática o mezzosoprano)
Nereo (tenor lírico o ligero)
Pantalis (contralto)
Ángeles, espíritus diabólicos, gente del pueblo, personajes mitológicos1
Participación destacable del Coro
Duración ca. 2 horas y media
Argumento
Prólogo en el cielo
Paraje nebuloso en medio del espacio.
Los querubines, las falanges celestiales y las almas santas cantan loores al Señor. Pero aparece Mefistófeles, el espíritu del Mal. Reta a Dios a que puede hacer caer a uno de sus más fervientes siervos, que añora el saber por encima de todo. Se refiere a Fausto, nombrado por los coros celestiales. La apuesta es aceptada.
Acto I
Cuadro I. El Domingo de Resurrección
Puerta de la ciudad de Fráncfort.
La primera escena transcurre en una puerta de salida de la ciudad de Fráncfort del Meno. Suenan campanas festivas, el pueblo se divierte. Entre todo el alboroto pasea un fraile encapuchado, que es vituperado y señalado. Entre tanto llegan el anciano Fausto y su ayudante Wagner paseando, de lo cual se enorgullece Wagner, por ir haciendo tal cosa al lado de tan sabia y digna persona como su amigo el doctor, el cual describe en una maravillosa y fina aria (en contraste con los escandalosos sones anteriores) la huida del invierno ante la llegada de la primavera. Transcurren danzas frenéticas del populacho, de clara esencia melódica, lo que hace que Wagner quiera apartarse al fondo con su compañero. Cuando se quedan solos, Fausto se queda mirando absorto las tinieblas del atardecer, cuando se dan cuenta del fraile. Fausto advierte que le arden los pies, y que sus huellas dejan un cerco de fuego, que el infierno lo acecha, a lo que Wagner, temeroso, intenta disuadir con palabras tranquilizadoras. Se van y el coro prosigue con sus juegos y danzas. Musicalmente caben señalar los frenéticos ritmos de los bailes populares y el aria de Fausto.
Cuadro II. El pacto Laboratorio de Fausto.
Hay un evangelio abierto. El fraile lo ha seguido al volver a casa y se esconde en la oscuridad. Fausto canta el placer de volver al hogar cuando el fraile se presenta. Fausto, aterrado, lo interpela, y Mefistófeles se revela en forma de caballero. Fausto ríe la broma y le pregunta su prpósito, así como quién es. Mefistófeles se lo explica en el aria Son lo spirito che nega: es el espíritu que siempre niega, que desea la destrucción, ¡¡y que siempre silba, silba, silba!!. El aria va acompañada y finalizada con fuertes silbidos. Le ofrece ser su siervo a cambio de que él lo sea "allí abajo", ofreciéndole todo lo que pueda desear, amor y saber. Fausto acepta el trato, que se verá sellado si llega a conocer todo sobre sí mismo y sobre el mundo, llegando el instante extático en el que le diga a un momento: "¡Detente, eres bello!". El dúo continúa con naturalidad, y estalla en la alegría de entrambos por la felicidad del acuerdo, con un ritmo vital y fresco. El acto termina cuando Fausto pregunta que dónde están los sirvientes, los pajes, los carruajes y la algarabía de la riqueza y el placer prometidos... y Mefistófeles le dice que solo basta con abrir su mantón y volar por los aires. Dúo: Se tu mi doni - "Si tú me das".
Acto II Cuadro I. El jardín
Fausto, rejuvenecido, acude al jardín de Margarita, una joven campesina del pueblo. Fausto la corteja bajo el nombre de Enrique. Cantan sus amores y deseos, recordando sus momentos, como la primera vez que se vieron en la calle; mientras tanto, Mefistófeles atrae a Marta, vieja lasciva, diciéndole irónica y fuertemente que nunca ha conocido el amor. Es un cuarteto a partes, entre soprano-tenor, bajo-mezzosoprano, de ligera estructura musical. Fausto le pide a Margarita un momento para poder hacer el amor con ella, y ella le dice que es casi imposible: duerme con su madre, que tiene un sueño leve. Él le da una ampolla con un somnífero para que se lo de, y puedan acariciarse sin problemas.
Cuadro II. La noche de aquelarre
Mefistófeles lleva a Fausto a las Montañas del Hartz, para la Noche de Walpurgis, el Sabbat. Mefistófeles le dice a Fausto que acelere el paso, y una vez que coronan una elevación rocosa, comienzan a llegar brujos y brujas, espectros vivientes del mundo, que alaban a Satanás, el cual, después de habérsele ofrecido una esfera de cristal como si fuese el mundo, le canta solo Ecco il mondo - "He aquí el mundo". El aria se corona con el arrojo al suelo de la esfera, y el estallido del mundo en mil millones de pedazos, a lo cual la furente multitud, empapada de sudor, lodo y sangrienta viscosidad, responde danzando endiabladamente alrededor de un hirviente caldero de vísceras pútridas, riendo y copulando, bajo un manto de notas de los metales y un coro largo e intenso. Fausto, en la noche del Sabbat, tiene una visión de Margarita encadenada. Mefistófeles le responde que era un espíritu maligno (la medusa).
Acto III La muerte de Margarita
Margarita aparece en una prisión a punto de ser ejecutada al alba por el verdugo cortándosele la cabeza, culpada de haber ahogado a su hijo y de envenenar a su madre. El acto comienza con su aria L'altra notte, quejándose de su suerte y exculpándose de esos actos. Llega Fausto en ese momento con Mefistófeles para salvarla, el cual ha conseguido milagrosamente las llaves y tiene dos corceles preparados afuera para salir huyendo precipitadamente. Margarita no quiere irse, y recuerda tiempos más felices al lado de su amado Fausto. Él, desesperado, no puede más y le ruega sollozante y casi ahogado que se marchen rápidamente. Margarita pide perdón a los cielos por sus pecados y se aterra de ver al maligno. Por fin comprende que irse con Fausto es el camino al infierno, mientras que si se queda y expía su culpa, se dirige a la redención. Aparecen los coros celestiales y el alma de Margarita asciende al cielo, después de decirle a "Enrique" que le da asco. Fausto y Mefistófeles huyen.
Acto IV La noche del aquelarre clásico Orillas de un río en la Antigua Grecia.
Helena y las cariátides cantan coros estáticos a la belleza y el amor. Mefistófeles y Fausto llegan, y el demonio dice que es mejor que se separen por caminos diferentes, para disfrutar más del placer individual. Mefistófeles se aburre, y añora sus brujas del norte, de las que sabe hacerse loar más fácilmente. Helena tiene una visión de la guerra de Troya (Ilión), en el aria Notte cupa, acompañada con coro. Fausto aparece vestido como un caballero del siglo XV y enamora a Helena arrodillándose ante ella y admirándole su ideal belleza. Entre Mefistófeles y los coros de Cariátides y Nerón, adoran a la pareja ideal, tan hermosa y pulcra, mientras ella se canta su amor. Fausto, enamorado de Helena, se queda a vivir en la Arcadia. Dúo Ah! Amore, misterio celeste.
Epílogo La muerte de Fausto El laboratorio.
Fausto se ha hecho viejo. Se sienta en su alcoba, como al principio, con el Evangelio abierto, y Mefistófeles se encuentras detrás de él, acechándole. Fausto ha vivido tanto el amor real (Margarita) como el amor ideal (Helena de Troya), comprendiendo que la felicidad nunca es eterna. Mefistófeles no lo comprende. Dúo Cammina. Fausto expresa su deseo de ser rey de un país de gente trabajadora y laboriosa, que se ganara con esfuerzo, paz y grato conformismo cada día su subsistencia, regida por unas leyes sabias y excelsas para todos, de la que él vería nacer con bondad y ternura miles de generaciones santas (A.: Giunto sul passo). Mefistófeles intenta hacerle cambiar de idea, lo tienta. El cielo desciende, y un coro de ángeles y alados querubines cantan alabanzas al Señor. Fausto se admira ante semejante aparición y, lleno de religiosidad, se olvida de la Tierra y sus placeres mundanos. Al final, muere, y Mefistófeles se hunde en la tierra.
Grabaciones
Grabación histórica según La discoteca ideal de la ópera, de Roger Alier y otros12 es la que hizo de esta ópera
Tullio Serafin con Cesare Siepi (Mefistofele), Renata Tebaldi (Margherita), Mario del Monaco (Fausto), Floriana Cavalli (Elena), Lucia Danieli (Marta) con la Orquesta y coro de la Academia de Santa Cecilia de Roma (1957). Decca.
* Mefistófeles (también llamado Mefisto y otras variantes) es un demonio del folclore alemán. Mefistófeles es comúnmente considerado como un subordinado de Satanás encargado de capturar almas, o bien como un personaje tipo de Satanás mismo.
Durante el Renacimiento, era conocido por el nombre de Mefostófiles, forma de la cual se deriva una de sus posibles etimologías, según la cual el nombre procede de la combinación de la partícula negativa griega μὴ, φῶς (luz), φιλής (el que ama), o lo que es lo mismo: el que no ama la luz. Sin embargo, el significado de la palabra no se ha establecido por completo. Butler menciona que el nombre sugiere conjeturas en idiomas griego, persa o hebreo. Entre los nombres sugeridos, están Mefotofiles (enemigo de la luz), Mefaustofiles (enemigo de Fausto), o Mefiz-Tofel (destructor-mentiroso).
Extendido por el Romanticismo y universalizado por el Fausto, simboliza el proceso de pérdida de fe y concreción a lo práctico según un sistema moral propio de las sociedades avanzadas como consecuencia de la Revolución científica y la industrial.
Mefistófeles es presentado muchas veces como una figura tragicómica, atrapado entre su victoria al lograr que las grandes masas dejen de considerar a Dios en el centro de todas las cosas, y su derrota al perder relevancia él también por el mismo motivo. En el aspecto gráfico, Mefistófeles ha sido mostrado como la representación más refinada del mal, siendo caracterizado con ropas fastuosas dignas de la nobleza y con una mente fría, racional y con un alto nivel de lógica, misma que utilizaría para atrapar mentalmente a las personas y hacer que siguiesen sus designios.
En el arte
En la literatura
Mefistófeles es un personaje clave en todas las versiones de Fausto, siendo de éstas la más popular la del escritor alemán Johann Wolfgang von Goethe. Sin embargo es en la obra de Christopher Marlowe (anterior al Fausto de Goethe e inspiración de este) en donde aparece este personaje por primera vez. En La trágica historia del doctor Fausto, Mefistófeles se le aparece al Dr. Fausto, un viejo científico, cansado de la vida y frustrado por no llegar a poseer los conocimientos tan amplios que desearía tener, que decide entregarle a este diablo su alma a cambio de alcanzar la cumbre de la sabiduría, ser rejuvenecido y obtener el amor de una bella doncella.
En la música
El compositor de música clásica y ópera Arrigo Boito presenta en 1868 en La Scala de Milán su ópera Mefistofele. El estreno no es bien recibido y provoca desórdenes y peleas por su supuesto "wagnerismo"; después de dos representaciones la policía interrumpe las funciones. Boito hace varias revisiones de la ópera y realiza cortes (la parte de Fausto, escrita para un barítono, es reescrita para tenor). La nueva versión, presentada en 1876 en el Teatro Comunal de Bolonia, es un gran éxito y a partir de entonces forma parte del repertorio más conocido de óperas y es presentado con frecuencia. El papel más famoso del tenor Beniamino Gigli (1890-1957) fue justamente el de Fausto de esta Mefistofele.
El grupo musical Enigma creó un tema llamado Dancing with Mephisto (Bailando con Mefisto) en el año 2006, en el que este personaje, a través del canto, busca tentar a su interlocutor diciéndole: «Sígueme, / ven y ve / la infinidad, la eternidad».
El grupo de power metal Kamelot posee una canción llamada «March Of Mephisto» («la marcha de Mefisto») en su disco The Black Halo.
Sting también lo cita en «Wrapped Around Your Finger» para aludir la oscura sabiduría del personaje de su canción (The Police: disco «Synchronicity», 1983):
Mephistopheles is not your name [Mefistófeles no es tu nombre] / but I know that you're up to just the same [pero sé que te propones lo mismo que él] / I will listen hard to your tuition [Escucharé atentamente tu enseñanza] / and you will see it come to it's fruition [y verás que da su fruto]
La canción cita también a personajes de la mitología griega, y su significado alude a la relación de posesión entre dos amantes, en la que la dirección de sometimiento más tarde se invierte.
Radiohead lo cita en su canción «Videotape» del álbum In Rainbows: «Mephistopheles is just beneath and he's reaching up to grab me» («Mephistopheles está debajo de mí y él está estirándose para agarrarme y apresarme»).
La banda sueca de death metal Arch Enemy tiene «Sinister Mephisto» en su segundo álbum Stigmata escrita por su líder Michael Amott.
Trans-Siberian Orchestra, en su álbum Beethoven's Last Night (ópera rock en la cual relata una historia ficticia de Ludwig van Beethoven) tiene dos canciones referentes a Mefistófeles: El tema 5 del álbum («Mephistopheles») y el tema 22 («Mephistopheles's Return»).
El personaje «Mr. MacPhisto» sería una versión presentada por Bono, el cantante de la banda U2, durante la gira «ZOO TV» a principios de los años 90.
El grupo estadounidense One Republic también lo menciona en una estrofa de su single Love Runs Out lanzado en 2014: "There's a maniac out in front of me. Got an angel on my shoulder,and Mephistopheles"
En el album "The Pale Emperor" del cantante Marilyn Manson, una de las canciones tiene el nombre "The Mephistopheles of Los Angeles" la cual hace referencias religiosas en la letra.
En los videojuegos
Mefisto es uno de los demonios a los que hay que vencer en el juego Diablo II y en su expansión Diablo II: Lord of Destruction. En este juego se lo conoce como Señor del odio que, junto a sus dos hermanos (Baal, Señor de la destrucción y Diablo, Señor del terror) conforman los llamados demonios mayores.
También se encuentra en el videojuego Neverwinter Nights: Hordes of the Underdark, como jefe final y llevando el nombre de Mefistófeles. En este juego (y en toda la cosmología de Dungeons & Dragons), Mefistófeles es señor indiscutible de Cania, el infierno helado de la octava capa de Baator, solo superado en poder por Asmodeus, señor de la novena capa y junto a ella de todos Los nueve infiernos de Baator. Mefistófeles intenta mediante sus engaños hacer caer al héroe en su trampa, intercambiando con él su lugar en el plano material por el del diablo en el infierno de Cania, donde reina bajo las órdenes de Asmodeus. Finalmente es derrotado mediante el ingenio/la fuerza y devuelto a su lugar de origen/puesto a las órdenes del héroe.
Además, es posible encontrarlo en Devil May Cry 4 como uno de los subdiablos alados. Es posible que aparezca en el Demon's Souls como enemigo o aliado dependiendo de el color del alma del jugador. El nombre del personaje Mephiles The Dark, perteneciente al universo de Sonic The Hedgehog, está basado en Mefistófeles (Mefistófeles en inglés se escribe Mephistopheles)
En los cómics
En el universo Marvel hay un villano con el mismo nombre (Mefisto). Es un demonio timador, tramposo y capaz de lo que sea para apoderarse de las almas, archienemigo principal de Ghost Rider (Johnnie Blaze).
En el manga Saint Seiya: The Lost Canvas es una de las puntas de lanza del ejército del dios Hades: Youma de Mefistófeles, Estrella Celestial del Liderazgo. Su personalidad se basa en la conocida manipulación del demonio sumado a que su poder es gigantesco al punto de manipular el tiempo y el espacio.
En el manga Shaman King el personaje Fausto VIII, quién utiliza la necromancia, es descendiente del Fausto que pactó con Mefisto.
En el manga Ao no Exorcist aparece un misterioso personaje con el mismo nombre, que es el director de la Academia Vera Cruz.
Es también uno de los personajes principales del webcómic Soul Cartel, en el que se reinterpreta la leyenda de Fausto 501 años después.2
Otras adaptaciones
«Mr. Mistoffelees», cuyo nombre también es una versión de Mefistófeles, es un personaje de El libro de los gatos habilidosos del viejo Possum de T.S. Eliot, el cual también aparece en Cats —adaptación musical del libro— de Andrew Lloyd Webber, siendo uno de los personajes principales. Se caracteriza por el engaño y el misterio, pero no de una manera negativa o siniestra.
En Argentina existe el personaje «Mefisto Félez», interpretado por el actor Casper Uncal. Esta adaptación muestra una faceta contemporánea y en extremo capitalista de este demonio, cuya característica es el discurso irónico y mordaz.
